Los 9 textos para Hippocampus Erectus

Hippocampus erectus: especie de pez de la familia Syngnathidae en el orden de los Syngnathiformes.

Durante el primer semestre estuve de 2014 estuve participando en la web Hippocampus Erectus, hoy en día ya desaparecida, compartiendo espacio con gente talentosa como Alex Pler, Raúl Portero, Hombre Confuso o Cain Q.. Vaya, canela fina. Así que ahora que ya no lo hago he decidido juntar todos los textos en esta entrada de Confesiones tirado en la pista de baile. Tras este proyecto llegaría Hombres Encontrados, a los cuales nos podéis seguir leyendo desde hace un año. 

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‘PARADISCO’, CUANDO LA MÚSICA DISCO ERA FILOSOFÍA DE VIDA

[25 ENERO, 2014]

Cumplamos nuestros sueños ya mismo, antes de de ir al Paradisco…

Llegó a mi vida de la forma más casual, como la mayor parte de las cosas que nos van sucediendo. Estábamos en el sofá de mi casa, cambiando de canales hace casi once años y de repente en uno de los canales empezaron a poner cortometrajes, entre ellos ‘Paradisco’. Me enganchó y me dejo prendado su concepto y realización.

La fiebre de la música disco marcó a toda una generación. Bien lo saben aquellas personas que rondaban la veintena por finales de los 70, y se entregaba al mundo de la noche, la fiesta, los amigos, el sexo…. Así le sucede al protagonista de ‘Paradisco’, que está dirigido por Stéphane Ly-Cuong el cual define a la película como optimista y divertida.

Han pasado más veinte años de esa época. Francois (Jerôme Pradon), el protagonista tiene ahora con cuarenta y tantos, y ha pasado la noche con un chico de 20 años que conoció de fiesta. Al levantarse Nicolas (Nicolas Larzul), el chico en cuestión, empieza a investigar los vinilos que hay en una caja… en ellos descubrirá grupos como ABBA, Dalida o Donna Summer entre otros.

A partir de ese momento nos encontraremos en un viaje al pasado, exactamente a la Nochevieja de 1979, una época de descubrimientos, donde el disco era una filosofía de vida. La música como filosofía de vida es algo que me fascina, y que sigo en mi día a día. Desde que nacemos hasta que morimos, hay una canción para cada instante, algunos con números musicales llenos de gente, y otros tan minimalista con uno mismo de protagonista.

Jerôme y Nicolas encajan perfectamente, ese completamente de chico joven curioso que es Nicolas, interesado realmente por el universo de Francois hasta meterse, literalmente, en su mundo. Jerôme Pradon se popularizó en el mundo de los musicales, entre los cuales ha estado en el plantel del ‘Los Miserables’ o ‘Mamma Mia!’

La banda sonora es obra de Patrick Laviosa. Es otro de los éxitos de este cortometraje, los temas originales que suenan en él. Recuperando el espíritu de los 70 se convierten en pequeños números musicales, sobre todo porque el espacio donde se rodó es muy reducido para la cantidad de gente que participan en los mismos.

Entre la música del corto, acompañado de todos esos grupos de los 70, nos encontramos con la explosión de la música disco, que a su vez después sería la base del eurodance de los 90 (Ace of Base, Aqua), y del sonido que Lady Gaga volvería a meter en la radio fórmula hace pocos años. Toda una evolución. ‘Paradisco’ habla del pasado, pero lo hace para poder entender el presente.

Al final, si uno lo piensa bien, la historia que cuenta es bastante sencilla: hombre conoce chico, pasan una noche, uno de ellos le cuenta a otro algo de su vida… y ¿qué pasará después? En ese punto es donde muchas veces uno decide: ¿Quiere seguir conociendo? ¿Le interesa a Nicolas saber algo más de Francoise tras haber visto su pasado?

Cada uno de nosotros somos esa historia que tenemos detrás, con nuestras cosas buenas, malas, con lo que queremos olvidar o lo que queremos volver a rememorar una y otra vez. La historia de Nicolas y Francoise se repite fin de semana, tras fin de semana en todo el planeta. Dos personas, dos épocas diferentes y un amanecer.

‘Paradisco’ es de esas historias donde el pasado regresa, te da un golpe, y te hace aprender de lo que hay en el presente tras un particular ‘Regreso al Futuro’ musical. Lo que quieres, y con quién quieres conocerlo.

‘Paradisco’ (2002) Francia. 35 mm. 17′

Dirección: Stéphane Ly-Cuong

Actores: Jérôme Pradon, Nicolas Larzul, Anthony Rapp, Barbara Scaff, Ann’So, Laurent Ban, Gregori Baquet, Laetitia Colombani, Cyrille Romoli

Producción: Sandrine Cassidy, Gabriel Mamruth

Guion: Stéphane Ly-Cuong, Fabien Paul

Música: Patrick Laviosa

Fotografía: Fabien Lamotte

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‘MOULIN ROUGE’, FREEDOM, BEAUTY, TRUTH, AND LOVE

[7 FEBRERO, 2014]

“Christian, puede que sólo me veas como un enano, borracho y vicioso, cuyos únicos amigos son chulos y chicas de burdel. Pero sé de arte… y de amor. Aunque simplemente sea porque lo anhelo con cada fibra de mi ser” (Toulouse-Lautrec)

¡Bienvenidos al mayor espectáculo del mundo! No, no es el circo, pero a nivel cinéfilo si que podría ser lo más parecido al mismo. ‘Moulin Rouge!’ (Baz Luhrmann, 2001) es una de las grandes obras maestras del cine contemporáneo, que ya tiene trece años. Sí, pensadlo, los treintañeros ya debéis de sentiros algo mayores al ver el tiempo que ha pasado.

Si alguna vez me preguntan “¿Cuál es tu película favorita?”, tras mucho darle vueltas me decidiría por ésta. Las aventuras de Satine y Christian, que son referencias a Satán y Cristo, el enfrentamiento entre el bien y el mal, me cautivaron desde la primera vez que las disfruté en la pantalla. El amor, como centro de la trama; el exceso, como recurso visual; el pop, como banda sonora de la vida. Todo ello mezclado, agitado, removido, y metido en una montaña rusa de última generación.

Libertad, Belleza, Verdad y Amor, son las cuatro máximas sobre las que gira la filosofía del revolucionario bohemio, y también lo son las de ‘Moulin Rouge!’. Gracias a ellas vamos a vivir un viaje lleno de emociones, sentimientos, que van a ir del amor, al desamor, la confianza, la amistad verdadera, las lecciones de vida… en un entorno de magia para la clase alta, y de miseria para la clase baja. Deberíamos de tatuarnos esas palabras en algún lugar visible del cuerpo. Para algunos puede ser un brazo, para otros una nalga.

La música pop es uno de los hilos conductores de esta aventura, y se vuelve algo fundamental para su disfrute. La gran pregunta es ¿Cómo consiguió el director convencer a todos los artistas para obtener los derechos de las canciones? Dos años estuvo detrás de ello para poder disfrutar de canciones como Like a Virgin y Material Girl de Madonna, Show must go on de Queen, Roxanne de The Police, Smells Like Teen Spirit de Nirvana, The Sound of Music de Mary Martin (aunque popularizada por Julie Andrews en Sonrisas y Lágrimas)… Sea como fuere toda la banda sonora contribuye a meternos de lleno en ese particular mundo creado por Baz, consiguiendo el record guiness de derechos de autor. También fue el creador de todos los Medley musicales que escuchamos en la película. Baz tiene la idea de do yourself bien aplicada en parte de ‘Moulin Rouge!’

La música es fundamental, hasta el pequeño cameo que tiene Kylie como una hada verde maligna que aparece tras un “colocón” de absenta, o las aportaciones a la banda sonora de las voces de David Bowie, Beck, Christina Aguilera o Rufus Wainwright. Es curioso que tras dos discos con la BSO ¡Aún queden canciones y versiones que suenan durante el metraje que no han sido publicadas! Os reto a que las descubrñais ¿Quizás podamos ver dentro de algún tiempo la edición de la banda sonora con nuevo material? ¡Ojalá!

Se dice por ahí que a Madonna le gustó tanto la versión del ‘Like a Virgin’ de la película, reinterpretada por Jim Broadbent y Richard Roxburgh, que mandó una felicitación en vídeo al director, con ofrecimiento para trabajar gratis en alguno de sus próximos proyectos. Sea verdad o mentira, por ahora no lo ha hecho en ‘Australia’ (2008), la película que recordaremos por el momento ducha en el bosque de Hugh Jackman, y a Nicole Kidman cantando el Over the rainbow del Mago de Oz. Tampoco lo ha hecho en ‘El Gran Gatsby’ (2013) otra gran superproducción que bebe bastante del estilo de ‘Moulin Rouge!’, protagonizada por Tobey Maguire, Carey Mulligan y Leonardo Di Caprio.

“El espectáculo debe continuar”, no sólo es el nombre de la canción de Queen, sino la máxima en el mundo de las artes. Da igual lo que suceda. ‘Moulin Rouge!’ nos da muchos ejemplos de ello en diversos instantes, con toda su exageración, desfase, y surrealismo existente. Problemas que se solventan con unas actuaciones a veces histriónicas, como en el caso de ‘Spectacular, Spectacular’ en uno de los momentos más divertidos de la película, o cuando Christian declara su amor a Satine en las alturas del elefante con el ‘Elephant Love Medley’ lleno de temas de amor contemporáneos, gritados y cantados a los cuatro vientos.

Un París lleno de bohemios, soñadores, y el Moulin Rouge como un lugar de reunión de las clases más altas: desfase, chicas, bailes, prostitución. Cuasi como si fuera el decorado de un programa televisivo de los 90, aunque haya una fusión de épocas, con aquellos grandes escenarios donde siempre pasaban cosas en cualquier esquina. Satine (Nicole Kidman) se vuelve el centro del deseo cuando sobrevuela el lugar, mientras tanto Christian (Ewan McGregor) quiere conseguir vender una obra para representarla allí. Una confusión, y el nacimiento de una historia llena de engaños, mentiras… y la muerte.

Uno de mis personajes favoritos es el de Toulouse-Lautrec (John Leguizamo, al que muchos recordamos por ser Luigui en aquella horrible adaptación al cine de ‘Super Mario Bros.’ en los 90) que, dentro de la persona decadente que aparenta ser, dice una de las mejores frases de toda la película, la cual encabeza este artículo. Toulouse está basado en una persona real, pintor y cartelista francés que destacó en la vida nocturna parisina del siglo XIX. Al igual que Chocolat (Deobia Oparei), un bailarín negro francés incluido en el mundo de los cabarets en 1895, que tiene un papel fundamental en determinados momentos de la película.

La gran pregunta es: ¿La editora, Jil Bilcock (Nominada al Oscar al mejor montaje que, sorprendentemente, no ganó) no acabó trastornada tras montar esta película? Parece que no, pero tras haber hecho lo propio en ‘Strickly Ballroom’ (1992) y ‘Romeo + Juliet’ (1996), las anteriores películas de Baz, no ha vuelto a trabajar con él. Llamemos a la nave del misterio para poder resolver está intriga.

Sin duda ‘Moulin Rouge!’ se la jugó, y ganó. Comenzando por contarnos el final, hablando de los escritores que disfrutan de ello, algo bastante habitual en el mundo actual; del amor como algo que está por encima de todo; la libertad creativa, en ocasiones basada en el alcoholismo, que demuestran algunos de sus personajes; y ante todo la lucha por los sueños… Ahora debéis de poneros el momento de la absenta para salir a luchar por vuestros sueños, porque, al final, de eso se trata ¿no?

‘Moulin Rouge!’ puede volver a verse en pantalla grande, junto con ‘Drácula de Bram Stroker’, el próximo 14 de febrero en el Palau de Congressos de Catalunya en Barcelona, y el 2 de marzo en los Cine Callao de Madrid. Será en una nueva sesión del Phenomena Experience.

‘Moulin Rouge!’ (2001) USA-Australia. 35 mm. 127′

Dirección: Baz Luhrmann

Actores: Ewan McGregor, Nicole Kidman, Jim Broadbent, Richard Roxburgh, John Leguizamo

Producción: Baz Luhrmann, Fred Baron, Martin Brown

Guion: Craig Pearce, Baz Luhrmann

Música: Craig Armstrong

Fotografía: Donald McAlpine

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LA TRILOGÍA DE LOS VIAJES DE XAVIER, DE CÉDRIC KLAPISCH

[21 FEBRERO, 2014]

No soy un experto en cine francés, así que si alguien me pregunta por películas de nuestro país vecino puede que me fuera a grandes clásicos como: ‘Amelie’, ‘Quiéreme si te atreves’, que bebe bastante de las aventuras de la anterior, o ‘Primer Verano’, que recuerdo haberla visto habiendo llegando yo a la mayoría de edad en el cine… Pero quizás las que más me han podido marcar ha sido una serie de películas protagonizadas por un chico llamado Xavier.

Todo comenzaba con las aventuras que nos proponía el director Cédric Klapisch en ‘L’Auberge Espagnole’ (‘Una Casa de Locos’) (2002). Xavier decide irse de Erasmus a Barcelona, dejando su ciudad natal, París. En la ciudad condal se encontraría con un grupo de personas, de diversas nacionalidades, con las que compartir piso y experiencias. Un año de aventuras y de lecciones de vida para que sepamos que es lo que queremos hacer realmente con nuestra vida.

L'Aubergue Espagnole

Cédric siempre ha confesado que fue uno de los rodajes más placenteros , compartido con el plantel de actores: Romain Duris (Xavier), Cécile de France (Isabelle), Xavier de Guillebon (Jean-Michel), Kevin Bishop (William), Kelly Reilly (Wendy), Cristina Brondo (Soledad), Federico d’Anna (Alessandro), Barnaby Metschurat (Tobias) o Audrey Taotou (Martine) en sus papeles principales.

La vida del mundo Erasmus queda reflejada en la película, por la que todo aquel que lo haya vivido, o quiera saber como es, puede ser una buena película de referencia. El Erasmus, además de para poder viajar a estudiar a otro país, es una experiencia para la vida y que puede aportar lecciones para el proceso de madurez de la persona.

Una de las grandes curiosidades de la película es la inclusión de un tema de Sonia & Selena, ‘Que viva la noche’, en la banda sonora ¿El motivo? Mientras estaba en Barcelona escuchó la canción a alguien que iba en un coche con ella puesta, le gustó, y le preguntó quien era el grupo que lo cantaba, porque quería incluir algo de dance español. Esta canción comparte espacio con temas de Radiohead (‘No Surprises’), La Mala Rodríguez, Vicente Amigo o Daft Punk (‘Aerodynamic’). Ecléctico le llamaban.

Cédric declaró que no quería hacer una segunda parte de la película, cosa que con el final que tenía era bastante viable. Con el paso del tiempo recapacitó, y recordando el buen ambiente de los actores durante ese rodaje decidió repetir. Ahora el mensaje era diferente: si en la primera entrega la idea era la de cumple tus sueños, en la segunda, ‘Les Poupees Russes’ (‘Las Muñecas Rusas’) (2005), era la de aceptar la realidad de lo que tienes delante tuya.

Unos años después de su vuelta a París vemos a Xavier yendo en el Eurostar mientras escribe un libro encerrado en el baño. Parece que ya ha conseguido lo que quería… o quizás no. Sigue teniendo problemas con las mujeres, con sus creaciones, y todo el grupo del piso de Barcelona va a volver a reunirse para una boda. El rodaje de esta entrega se realizó entre tres ciudades diferentes (París, Londres y San Petersburgo), y fueron necesario intérpretes para algunas de las escenas en San Petersburgo en las que había gente hablando en diferentes idiomas, sin entenderse entre ellos.

Toda la pandilla ha madurado. Han terminado sus estudios, y se enfrentan a situaciones de “personas mayores”, una boda, enfrentamientos o la creación de una biografía para una modelo. Parece ser que la vida iba más en serio de lo que parecía. Con el final de esta película quedaba pendiente una posible tercera entrega, el director ya no se cerraba en banda, y casi confirmaba que, antes o después, habría esa esperada nueva secuela.

Ahora llega ‘Casse-tête chinois’ (‘Un francés en Manhattan’) (2013) una aventura que cruza el charco. Viajamos desde París a Nueva York, pero también lo haremos a la China. Xavier ha asentado la cabeza, aunque sigue teniendo problemas pero ya en modo marido-padre. Para esta ocasión no aparece toda la pandilla original, pero si estarán presentes Xavier, Wendy, Martine e Isabelle. Este hecho de no estar todos, que podría parecer que es por incompatibilidad de agendas o de presupuesto, Cédric lo justifica que ha sido realizado totalmente a drede. Con que el paso de la vida también hace que algunas personas que hemos querido, y compartido parte del camino, dejen de estarlo por uno u otro motivo.

El nombre original de puzzle chino, hace referencia a como tenemos que encajar las cosas en nuestra vida. Con esta película parece que ¿se pondrá el punto y final? a las aventuras de Xavier y compañía.

El director, a toro pasado, ha decidido llamar a este conjunto de películas la trilogía de los viajes de Xavier, motivado por la idea que recalca de como toda una generación ha tenido una vida marcada por la cultura del viaje. La interrogación es porque parece ser que Cédric sigue sin cerrar las puertas a ese final definitivo, y considera que si tiene alguna idea en los próximos años que pudiera funcionar, ¿Por qué no? ¿Una precuela o qué pasaría otros diez años después? El futuro no es de nadie, que cantaba Dorian.

‘Casse-tête chinois‘ (2013) Francia. 35 mm. 117′

Dirección: Cédric Klapisch

Actores: Romain Duris, Audrey Tautou, Cécile de France, Kelly Reilly

Producción: Bruno Levy, Cédric Klapisch

Guion: Cédric Klapisch

Música: Christophe Minck

Director de arte: Matteo De Cosmo

‘Casse-tête chinois’ se estrena en cines de España el próximo 16 de mayo.

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‘NADIE CONOCE A NADIE’, ¿JUGAMOS?

[7 MARZO, 2014]

Hubo una época en el cine español donde se comenzar a crear producciones que arriesgaban más allá de las típicas comedias románticas. Llegaban dramas con finales devastadores o experimentos, quizás, demasiado modernos para la época. Un nuevo cine nacía a finales de los 90, películas como ‘Abre los Ojos’, para mí la obra maestra de Alejandro Amenábar; ‘El Arte de Morir’, un intento de hacer nuestro particular mezcla entre ‘Scream’ y ‘El Sexto Sentido’ o ‘Tuno Negro’, una efectiva película en la que un asesino se va cargando a los peores estudiantes de cada universidad, fueron ejemplos de aquella ola de creatividad.

Entre todas ellas llegaba ‘Nadie Conoce a Nadie’ (Mateo Gil, 1999). Es el debut en los largometrajes de Mateo, aunque la idea original era que él sólo hiciera el guión para que después lo dirigiera un director potente, pero finalmente se quedó él con la dirección. Muchos recordamos a Mateo Gil como la mano derecha de Amenábar, siendo guionista de ‘Tesis’ y ‘Abre los Ojos’, las dos primeras películas del director madrileño. Para esta aventura decidió contar también con Eduardo Noriega como protagonista, al igual que las dos antes citadas, junto a Natalia Verbeke, Jordi Mollá y una jovencísima Paz Vega.

La historia nos sitúa la Semana Santa de Sevilla, esa época que los sevillanos aman y odian a la vez. Simón (Eduardo Noriega) es un escritor de crucigramas para el periódico. Un día recibe una misteriosa llamada que le obliga a poner la palabra “Adversario” en uno de ellos. A partir de ese momento su vida, y la de la gente a su alrededor como Sapo (Jordi Mollá) su compañero de piso, comienza a cambiar para convertirse en una especie de juego de rol por la capital andaluza.

Creo que ‘Nadie Conoce a Nadie’ juega muy bien en su terreno. Es una película española, con una temática basada en nuestro país, no consigue chirriar y es perfectamente exportable al mercado internacional. Eduardo Noriega es de esos actores que se hace creíble haga el papel que haga, y en esta época estaba acostumbrado a vivir una serie de drama tras otro en las películas que participaba.

La película se rodó en tres ciudades diferentes: Madrid, en un estudio la casa de Simón y Sapo (Jordi Mollá) ya que las imágenes que vemos tras las ventanas son fotografías; Sevilla, la mayor parte de las escenas; y Carmona, por su parecido con Sevilla en determinadas escenas.

‘Nadie conoce a nadie’ se basa en el libro homónimo de Juan Bonilla, aunque ha sido adaptado de una forma bastante libre. Hay un traslado del lenguaje literario al cinematográfico. Además se han cambiado situaciones: La más “comprometida”, por decir algo, era una felación en el baño entre dos personajes. Se cambió por un abrazo.

La música es de Alejandro Amenábar, acostumbrado hacerlo con sus películas, y quizás algunos no sepáis que Alejandro realmente no sabe de música y todo lo que ha realizado ha sido de oído. Doce puntos para él.

‘Nadie Conoce a Nadie’ es una buena película, con referentes a Lumet, Kubrick, Kurosawa y Coppola según su director, que sospecho no tuvo su reconocimiento suficiente en la época. Ha envejecido muy bien y si alguien no la ha visto, debería recuperarla. Coged palomitas, unas cervezas, unos amigos, y una tarde de domingo. Ya tenéis el plan hecho.

‘Nadie Conoce a Nadie’ (1999) España. 35 mm. 108′

Dirección: Mateo Gil

Actores: Eduardo Noriega, Jordi Mollá, Natalia Verbeke, Paz Vega

Producción: Sogetel, Maestranza Films

Guion: Mateo Gil, basado en el libro de Juan Bonilla

Música: Alejandro Amenábar

Fotografía: Javier Salmones

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‘SEXYKILLER’, UNA PSICÓPATA MUY ‘BARBIE GIRL’

[21 MARZO, 2014]

Tiene el carácter de Hannibal Lecter y el fondo de armario de Paris Hilton

Así, de esta forma tan contundente, se nos presenta Sexykiller, morirás por ella (Miguel Martí, 2008), una de esas propuestas interesantes que nos propone el cine nacional de vez en cuando. Hay algo muy peligroso en el mundo del cine, parece ser que si haces algo de humor de por sí se trata como un género menor, o quizás no puede llegar a ser trascendente por esta categoría. Dejémonos de engaños: igual de bien está un drama social, en lo que somos muy expertos, pero también tenemos mucho talento para el entretenimiento.

Macarena Gómez, en el reparto de la serie ‘Lo que se Avecina’ de Telecinco, es una estupenda psicópata llamada Bárbara que va siempre a la última. Parece la típica chica rara del campus universitario, pero nadie sabe que detrás de esa imagen esconde a una peligrosa asesina en serie que está encantada de serlo y que usa la ironía como una arma más en su vida diaria.

En el campus también están Alejo Sauras (de la cantera de ‘Al Salir de Clase’) o César Camino (cara televisiva que actualmente veis en ‘Los Misterios de Laura’ de TVE), que son amigos de Bárbara y que irán viendo cosas extrañas que van sucediendo en el campus. Misterios sin resolver que tienen todos una única raíz: la venganza.

Mediante el humor y la venganza iremos viendo formas originales de asesinar, mucha mala leche y un Paco León que estará sufriendo durante toda la película. Él es la excusa para que nuestra querida amiga psicópata nos cuente la historia. Ésta está bien planteada, llevada, divertida y hasta con un sorprendente giro de guión inesperado y surrealista.

Miguel Martí, el director se ha nutrido de películas como ‘Resident Evil‘ o ‘Abierto Hasta el Amanecer’, o directores como Sam Raimi y Peter Jackson, a los que también ha homenajeado. El director define ‘Sexykiller’ como una mezcla de géneros: una pizca de suspense, un chorro fuerte de acción trepidante, algo de terror, y sobre todo, mucha comedia. Cuenta que Macarena Gómez llegó al casting con una bolsa llena de Barbies, dos pistolas y el guión aprendido, con eso ya lo tuvo claro, ella era la psicópata que buscaban.

La banda sonora tampoco se queda atrás. El tráiler nos muestra el ‘Barbie Girl’ de Aqua, que después también sonará en la película, y que encaja perfectamente con la ironía de la que antes os hablaba, también incluyen una versión de la mano de Axel Boys Quartet y otra de los Tsunami Bomb. En la sección española nos encontramos con temas indies como ‘Quiero papá’ de Vanexxa, atentos al juego de la letra, o ‘Te Recuerdo’ de Lorena C, ese grupo que nos dejó un gran disco y desapareció de la faz de la tierra. Extrañamente no encontramos algún tema de The Killer Barbies, aquel grupo musical de punk rock de los 90 liderados por Silvia Superstar, como ‘Love Killer’, algo que pegaría bastante bien.

‘Sexykiller, morirás por ella’, otro buen ejemplo de cine español que bien podría ser de cualquier otro país pero con nuestra propia Marca España. Esto si que es Marca España.

‘Sexykiller, morirás por ella’ (2008) España. 35 mm. 100′

Dirección: Miguel Martí

Actores: Macarena Gómez, Alejo Sauras, César Camino, Ángel de Andrés López, Juan Carlos Vellido

Producción: Jaume Roures, Tedy Villalba

Guion: Paco Cabezas

Música: Fernando Velázquez

Fotografía: Carles Gusi

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‘ONCE UPON A TIME’, LOS CUENTOS NO SON LO QUE ERAN

[4 ABRIL, 2014]

Érase una vez que se era… una cadena de televisión, la ABC, que decidió hacer una serie sobre personajes de cuento. Para ello cogió lo mejor de Disney pero a su vez le puso la maldad original de los cuentos entremezclándoles en una serie donde todos los personajes del mundo de los cuentos estaban malditos. Este es el comienzo de ’Once Upon A Time’.

Cada uno de nosotros tenemos un recuerdo de los cuentos en la infancia, ya sea por los que nos leían de muy pequeños o cuando empezábamos a ver las pelis, esencialmente de Disney. Por ejemplo, cuando veías ‘El Libro de la Selva’. De pequeño no te planteas en pensar: Espera, que un niño sobrevive en la selva, cuidado por un oso, un mono y la serpiente no es capaz de zampárselo a las primeras de cambio… ¡Métete tu en una selva a ver cuanto aguantas!

Cuando creces todo cambia, se modifica, y se acabaron los cuentos. Llega la cruda realidad: el estudiar, el que estudiar, no estudiar, el trabajo, el no trabajo, las parejas, el no tener pareja, tener una relación a tres. Todos los pilares de la infancia se ven destruidos por lo que es la vida misma. Vivir como un camino hasta morir, con sus cosas buenas y malas. Ya sabéis que canta Fangoria eso de “No quiero más dramas en mi vida, sólo comedias entretenidas”

‘Once upon a time’ se puede definir como el mashup de los cuentos con la vida real: Todos los personajes de los diversos cuentos se encuentran en Storybrooke, irónico nombre para el que parece otro adorable pueblo americano en medio del bosque. En realidad todos han olvidado quienes son debido a una maldición de, valga la redundancia, la Reina Malvada ¿Mezclar nuestra infancia con el mundo adulto? ¡Claro que sí!

Llama la atención desde el comienzo por quienes son sus creadores Adam Horowitz y Edward Kitsis, fueron guionistas de la serie ‘Lost’ (Algún día discutiremos por aquí su final, seguro) y de la película ‘Tron: Legacy’ (Con esa gran banda sonora de Daft Punk) Sentido tiene con algunas de las situaciones que les suceden a sus protagonistas. Entre ellos Jennifer Morrison (Emma) recordada por ‘House’, aunque en el modo friki lo haremos como la prota de ’Leyenda Urbana 2′; Ginnifer Goodwin (Blancanieves) a la que hemos visto en esa preciosidad llamada ‘A Single Man’; Robert Carlyle (Rumpelstiltskin) conocimos en ‘Trainspotting’ pero que me impactó mucho más en ’28 Semanas Después’; y Lana Parrilla, una bruja mala malísima muy sexy vista en varias series de televisión. Sólo elijo tres ya que la serie tiene un reparto muy coral y extenso, entre los que no me quiero dejar a el guapísimo Jamie Dornan (El Cazador) ahora protagonista de la versión cinematográfica ’50 Sombras de Grey’.

Si algo tiene característico la serie es que su presupuesto en efectos especiales a veces no es el suficiente para algunas de sus secuencias. Eso se nota en ciertos momentos en los que piensas que estás viendo ‘El Rescate del Talismán’, un programa infantil de los 90 de TVE cuyos escenarios eran todos basados en cromas, lo cual es bastante sorprendente con el resto de calidad que hay en esta producción. De nuevo hablamos del retorno a la infancia, todos hemos querido participar en él, porque en aquella época nos parecía algo maravilloso. Hoy si no lo vemos así es porque tenemos una cosa llamada nostalgia.

El encanto de la serie es entremezclar el mundo fantasía con la realidad, no sólo se entremezcla los mundos oníricos y surrealistas de cuentos, también lo hace con conflictos entre padres, hijos, separaciones, infidelidades, celos, venganzas… casi como si fuera un ‘Gossip Girl’ pero sin internet y sin que todos sean jovenzuelos. Todos sabemos que en los pueblos todo se conoce, tengamos o no tengamos pueblo.

¿Puede ser que el mundo de los cuentos y el de la realidad no esté tan distante? Ha habido series que han hablado sobre ello y la realidad es que muchos cuentos, en el formato original, eran mucho más crueles: Por ejemplo: ‘El Jorobado de Notre-Dame’ de Disney se basa en el libro ‘Notre-Dame de París’ de Víctor Hugo. En el relato original Quasimodo acaba tirándose desde el campanario, mientras que en la versión de la empresa de Mickey Mouse acaba felizmente como el buen amigo de la pareja ¡Claro que sí! ¡Lo mismo!. También encontramos ejemplos de cuentos adaptados como ‘Red Riding Hood’, versión actualizada de Caperucita Roja (Amanda Seyfried, vista en ‘Chicas Malas’ o ‘Mamma Mia!’) con enamoramiento del leñador, y un pacto con el hombre lobo. Un despropósito según las críticas.

La que ha terminado, ayer por la noche, es el primer spin off de la serie: ’Once Upon A Time In Wonderland’, tras una única temporada de 13 capítulos. No ha conseguido convencer a la audiencia. Empezó ya con poco tirón, y fue perdiendo capítulo a capítulo. Siguiendo con la premisa de la original, tiene de protagonista a Alicia (Sophie Lowe), Will Scarlett (Michael Socha), Anastasia/La Reina de Corazones (Emma Rigby) y el País de las Maravillas aunque su mundo se entremezcla con el de ‘Aladdín’, apareciendo el genio (que no es azul y es mucho más guapo, encarnado por Peter Gadiot) y Jafar (Naveen Andrews, conocido por su papel en ‘Lost’). Seguía mucho el estilo de la serie original y debería haber gustado al mismo público, pero la televisión es así de cruel. Estaba previsto que esta serie ocupara el “parón navideño” de la tercera temporada de la serie original, pero no haberlo hecho de esta forma y que se compaginara con su serie origen puede ser uno de los motivos que no triunfara. Al menos uno de sus actores, Michael Socha, se salva y pasará a ser regular en ‘Once Upon A Time’ próximamente.

Ambas series comparten compositor para su banda sonora: Mark Isham, encargado de haberlo hecho en películas tan variadas como ‘Blade’, ‘Nell’, ‘Last Dance’, ‘Crash‘ o ‘La dalía negra’. El misterio, la intriga y la emoción son elementos que encontramos en las dos series, acompañado por la música.

‘Once Upon a Time’ está emitiendo la segunda mitad de su tercera temporada, aunque bien podría haber terminado antes del parón navideño con el acontecimiento que sucedió, habiendo poniendo un perfecto cierre de serie. A lo largo de todas las temporadas hemos conocido buena parte de los cuentos y territorios donde se van desarrollando. Sin querer desvelar nada iremos descubriendo bosques, la Tierra de Nunca Jamás, el castillo de ‘La Bella y la Bestia’ o los caminos de baldosas amarillas de ‘El Mago de OZ’. Por el momento parece que no tiene una fecha de final impuesta y sigue manteniendo el interés del público, con lo que la renovación por una cuarta temporada parece que es un secreto a voces. Que crucen la pasarela.

Amantes del mundo de los cuentos, de las tramas enredadas y del “No sé que va a pasar en el próximo capítulo”. Sed bienvenidos, recordad los mejores momentos de vuestra infancia, dadles la vuelta con los miedos de cuando empezasteis a crecer y estaréis antes vuestra serie ¿Cuándo veremos el “Y fueron felices y comieron perdices”? ¿Habrá más spin off? Esperemos sentados.

‘Once Upon A Time’ (2011 -)

‘Once Upon A Time In Wonderland’ (2013 – 2014)

Creadores: Edward Kitsis, Adam Horowitz

Música: Mark Isham

Web Oficial / Tráiler

Web Oficial in Wonderland / Tráiler

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‘BLACK MIRROR’, UN PASAJE DEL TERROR A LA VUELTA DE LA ESQUINA

[18 ABRIL, 2014]

Es complicado. Si alguien me pidiera que le explicara en que consiste la serie ‘Black Mirror’ creo que se podría resumir en: Todos los terrores reales que podrían ocurrir en un espacio-tiempo mucho más cercano de la que nos esperamos, un paisaje del terror a la vuelta de la esquina… Tras verme un maratón de toda la serie, dos temporadas con seis capítulos en total, me quedó una sensación de devastación, miedo, terror, pánico y, lo que es aún peor, una serie de conflictos internos ante muchas de las situaciones que nos plantea.

En el cine hemos podido ver películas de zombies, de sucesos paranormales, e incluso alguna mucho más surrealista y sin sentido. Ese tipo de terror juega en un campo bastante cómodo que es el de la duda. ¿Existen los zombies? ¿Alguien ha visto un ovni? En un sector de la sociedad puede crear mucho pavor o inquietud, pero ‘Black Mirror’ da un paso más allá: Algo tan cercano que es completamente creíble.

Vivimos en una sociedad enferma. Enferma desde el momento en el que cada vez que salimos a la calle estamos respirando contaminación. Enferma, por que aunque tengamos cada vez más vías de comunicación, una buena parte del mundo esté cada vez más aislado. Enferma, porque hay países que viven por encima de sus posibilidades, y otros que mueren poco a poco… Y todos tenemos algo de esa enfermedad, aunque afortunadamente confío aún en la bondad, el amor, y respeto entre los seres humanos y que las personas están por encima de todo. ‘Black Mirror’ no lo hace. Nos expone ante unos personajes que han pasado esa barrera. No importan los demás. A veces lo hace de forma directa, pero otras juega con el espectador, y con los protagonistas.

Cada capítulo es una historia independiente. Cada uno de ellos, con una duración entre 50 minutos y una hora, nos da el reflejo de una situación bastante extrema. Pongamos como ejemplo un par de casos:

El primer capítulo de la primera temporada, El himno nacional, nos sitúa en Londres. La princesa ha sido secuestrada. Para liberarla el secuestrador tiene una morbosa petición que el primer ministro inglés tendrá que realizar para todo el Planeta. ¿Se atreverá a hacerlo por salvar la vida de una persona? ¿Buscará alguna alternativa? ¿Quién lo está haciendo? ¿Se podrá salvar?. La reflexión no os dejará indiferentes.

El otro ejemplo está en el segundo capítulo de la segunda temporada, Oso Blanco. Una mujer se despierta atada en una silla, se desata y sale a la calle. Sólo ve a gente grabando con sus móviles y otras personas persiguiéndola. Nadie ayuda, sólo graban, casi como regocijándose de esa situación, ¿Qué sucede?. Para mí es uno de los más sorprendentes de todos. Y al final te hará reflexionar sobre algo que, de una forma u otro, quizás se nos haya pasado por la cabeza.

No puedo más que decir que ‘Black Mirror’ me deja la sensación de una sociedad que, lentamente, va perdiendo en parte de ella muchos de los valores positivos. Nos encontramos con un espejo en el que todos podríamos llegar a reflejarnos, aunque fuera de una forma lejana, en alguno de los casos.

Eso es el miedo. El miedo a algo cercano. Si yo sufro en el Pasaje del Terror no es por el concepto como tal, es porque sabes que algo va a pasar… pero no como. ‘Black Mirror’ se encarga de decirnos como pueden suceder ciertos tipos de situaciones. Si nos hemos quedado con ganas de más, su creador (Charlie Brooker) tiene confirmados al menos dos episodios para una tercera temporada.

Llama a la puerta, entra en este particular pasaje del terror que no te dejará indiferente. A veces enfrentarse a un reflejo real puede provocar mucho miedo…

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‘BARCELONA, NIT D’ESTIU’, MI HISTORIA DE AMOR

[2 MAYO, 2014]

Cuando uno ve una película parece que siempre acaba orientándola a su terreno. Los personajes siempre tienen algo de nosotros, de nuestra actitud, o quizás de aquello que tratamos de ocultar o que nos gustaría ser. Nos sacan una sonrisa, unas lágrimas o una incertidumbre. Por eso hoy voy a hablar de mi historia de amor con Barcelona, por medio de ‘Barcelona, nit d’estiu’, una de las películas más interesantes del panorama nacional del año pasado.

Barcelona (Suspiro) es esa ciudad que lo tiene todo para mí, y una cantidad de historias que suceden entre sus montañas y playas que serían dignas de contar. Parece ser que alguien se me adelantó en la idea. Exactamente Dani de la Orden con ‘Barcelona Nit d’estiu’, una película que con mucho esfuerzo ha conseguido sacar adelante. En esta vida el no siempre lo tienes por delante, por lo que Dani decidió dar el guión de su película a Buenafuente en una entrega de premios. Ese fue su gran acierto y apoyo para la posterior distribución de la película. Otro es el plantel, a destacar actores como Bárbara Santa-Cruz, a la que habéis visto como una minusválida irónica en ’3 Bodas de Más’ o Claudia Vega, que siempre será el inolvidable personaje principal de ‘Eva’.

En ‘Barcelona nit d’ estiu’ se nos habla de varias historias de amor que suceden en la ciudad de Barcelona, casi podíamos decir que es algo parecido a ‘Love Actually’, ‘Paris Je T’aime’ u ‘8 Citas’ pero esta vez en versión de la ciudad condal, con una multitud de lugares reconocibles. La excusa es la noche en la que el cometa Rose pasará cerca de la Tierra y las historias de amor que se van a desarrollar en esta noche única.

¿Quién no ha bailado hasta las tantas en el Apolo o visto un concierto? Has ido con conocidos y has conocido a otras personas en lugares como ese, acabando por adentrarte en noches con un final desconocido. Yo también he corrido borracho por las calles de la ciudad, he visto como la Sagrada Familia se abre paso en medio de la nada con su impactante imagen, y he tenido la sensación que algunos de esas noches se quedarán en la memoria, junto a amaneceres abrazado al lado de alguien, que se marcan. Las historias se entremezclan, la ciudad provoca también esa situación. La falta de soledad de una noche, los amigos que se juntan, y el amor.

Una historia no terminada, un posible embarazo, dos amigos que se pelean por una chica, el primer amor, lo que nunca fue, un amor escondido… son las diferentes historias que propone la película. El sentimiento de amor, universal, lo noto cada vez que voy, en cada una de las personas importantes para mí que viven en la ciudad condal. En eso noto el verdadero amor y no pasa en todas las ciudades. Barcelona tiene ese algo que engancha, y te obliga a querer volver a por más

Todo termina como debe de ser, llevándote a a las alturas del Mirador Bunker del Turó de la Rovira en el Carmel para ver el alma de la ciudad desde allí. Las risas tontas, las noches en las que no te acuerdas de casi nada, conciertos inolvidables, momentos únicos… y mucho amor por todos lados hasta el amanecer.

‘Barcelona, nit d’estiu’ te hace perderte por los rincones, sentirte reflejado en lo que se cuenta, en lo que transmite. Esta es mi declaración de amor a Barcelona y a algunos de sus habitantes. Mi amor incondicional. T’estimo.

‘Barcelona, nit d’estiu’ (2013) España. 95′
Dirección: Dani de la Orden
Actores: Francesc Colomer, Jan Cornet, Joan Dausà, Mar del Hoyo, Laura Díaz, Miki Esparbé, Sara Espígul, Lucho Fernández, Marc García Coté, Àlex Monner, Miriam Planas
Producción: Alberto Aranda, Andreu Buenafuente, Toni Carrizosa, José Corbacho, Kike Maíllo, Bernat Saumell
Guion: Daniel González, Eric Navarro, Eduard Solà
Música: Joan Dausà
Fotografía: Ricard Canyellas

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Última nota: El visionado de la película es obligatorio en V.O o V.O.S., hacerlo en versión doblada pierde todo el sentido.

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‘(500) DAYS OF SUMMER’, ONE KISS DON’T MAKE A SUMMER

[16 MAYO, 2014]

Las relaciones entre los humanos son bastante curiosas: Cuando conoces a alguien, y te entusiasma esa persona, siempre hay como una ilusión. Puede ser amorosa, amistosa, sexual… ¡o incluso con las tres a la vez! Hay gente mágica que engancha de forma inmediata, o poco a poco. Conocer a alguien nuevo siempre es apasionante. Tu cabeza empieza a crear unas estructuras que hasta ahora no tenía, y pone toda la carne en el asador para conseguir que esa persona siga caminando, de una u otra manera, a tu lado.

Así sucede con ‘(500) Days of Summer’ (Marc Webb, 2009), y su famosa escena del ascensor. En ella Joseph Gordon-Levitt (Tom) y Zooey Deschanel (Summer) interactuaban al ritmo de un clásico de The Smiths como ‘There Is A Light Never Goes Out’. En realidad ese no era nada más que el comienzo de los 500 días que pasarían juntos. Una forma bastante interesante de ver como es la relación entre los dos personas, su evolución, sus ilusiones, sus expectativas… y el propio deterioro por las diferentes expectativas de la vida en un determinado punto que tienen ambos.

Hay un punto de inflexión en la película. El personaje de Summer dice que ella no quiere novio, no se quiere casar… parece que lo tiene muy claro, ¿os suena la historia? Seguro que sí. Todos conocemos a gente que le encanta hacer discursos grandilocuentes sobre lo que su vida va a ser, o va a dejar de serlo, lo que está convencido que va a hacer, o lo que está seguro que no va a hacer. El tiempo, pueden ser 500 días o 90 días, finalmente acaba haciendo que esas mismas parrafadas y reflexiones se las acabe comiendo uno con patatas. Porque, en honor de la verdad, a veces son los demás pero a veces es uno mismo es lo que hace. Quien esté libre de pecado que tire la primera piedra.

500 días dan para conocer a una persona, o al menos lo que se deje ella, cada uno necesitamos un tiempo, unas conversaciones… pero en ocasiones esas personas nos decepcionan, no son lo que esperamos. Para eso lo mejor es darnos cuenta pronto de la realidad. Cuando vemos que nuestra particular Summer no es lo que pensamos, y el amor pasa a ser desamor/desencanto/desgana, lo mejor es alejarse… tras un gran verano, un otoño precioso está más cerca de lo que esperas. Es más, ese otoño puede haber estado al lado tuyo, sin darte cuenta, casi hibernando, y dispuesto a saltar en ese momento en el que te hace falta.

Es ese instante que la realidad no va acorde a la expectativa, una de las mejores escenas de la película, y no nos gusta la realidad que nos encontramos, es hora de marchar. Aunque, para terminar, yo sigo creyendo que hay gente que llega a tu vida y se queda para siempre, quizás no con la misma intensidad en todas las épocas, pero es así. Con ellos embarcarse y realizar un gran viaje por la vida es un puro disfrute.

Hay que dejar a Summer, con todo lo que aprendimos junto a ella, para embarcarnos en nuevas aventuras. Viajemos a nuevos mundos por descubrir en los que nos sintamos como en casa. Como decía Bravo Fisher!, “No es el final del recorrido, sino el propio camino”

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